Wie formt uns Verlust? Wie leben die Nachwirkungen von Gewalt in unseren Worten weiter? Wie schreiben wir inmitten der nicht enden wollenden Anhäufungen von Schrecken, Trauer, Verlust und Niederlage? Was kann Queer-Theorie angesicht von Terror nicht bieten?

In dieser Sitzung suchen wir Trost in der heilenden Kraft der Poesie und würdigen die Tulpen, die unsere miteinander verflochtenen Geschichten heimsuchen. Gemeinsam werden wir eine Zukunft kultivieren, die in den Händen blüht, die sich um diese Tulpen kümmert – Symbole des Opfers, der Liebe, der Heimat und unserer gemeinsamen Vision von Befreiung.

Durch kollektives Lesen, Summen, Zuhören und Teilen hoffen wir, die schwere Last des Unbetrauerten ein wenig zu lindern. Dies ist der Raum, den wir schaffen wollen, und der Versuch, der uns am Herzen liegt.

BIOS

Niloofar Rasooli ist eine iranische Schriftstellerin mit einer radikalen Leidenschaft für die Überschneidung von antikolonialem Queer-Feminismus, ausgelöschten Erinnerungen und Archiven, Widerstand, Rebellion, Revolution und der Rückeroberung von errichteten und gelebten Umgebungen im Iran und im globalen Süden. Zuvor arbeitete Niloofar als Journalistin, Autorin und Redakteurin. Ihre Texte wurden unter anderem in Women’s Studies Quarterly (in Kürze), gta papers (in Kürze), Kohl: A Journal of Body and Gender Research (in Kürze), International Journal of Islamic Architecture (in Kürze), Harasswatch, trans Magazine, Woz, 1.mai Committee Pamphlet, Koubeh, Etemad, Kargadan und Abadi veröffentlicht. Derzeit arbeitet sie an ihrer Doktorarbeit am Institut für Geschichte und Theorie der Architektur der ETH Zürich.

Sandra Cane ist Autorin und unabhängige Forscherin im Bereich Queer und Trans Studies. In ihren Arbeiten untersucht sie radikale Zukunftsvorstellungen als kulturelle Praxis, die normative Erzählungen der Gegenwart in Frage stellt. Sie schreibt für Zeitschriften und digitale Plattformen und arbeitet mit Kollektiven, unabhängigen Räumen und Institutionen zusammen, um Performances, Publikationen und Vorträge zu realisieren. Im Jahr 2023 veröffentlichte sie ihre erste Textsammlung beim italienischen Verlag Einaudi. Im Studienjahr 2023/2024 war sie Gastprofessorin für Gender Studies an der Universität Klagenfurt, Österreich.

95th Anniversary of the Treaty of Lausanne at the Château d‘Ouchy

HD film, 10 minutes, 2018

Der Film zeigt eine Aufführung in einem Raum, der Zeuge eines historischen Moments war. Er diente als Konferenzraum für die Verhandlungen, die 1923 zum Vertrag von Lausanne führten, in dem Kurdistan in vier Teile aufgeteilt wurde. Heute ist der Raum eine Suite in einem 4-Sterne-Hotel in Lausanne. Die Künstlerin betritt den Raum mit verbundenen Augen (ohne ihn vorher gesehen zu haben) und versucht, sich zu orientieren. Da die Performerin nicht sehen kann, wird das Sehen des Zuschauers intensiviert, was die Möglichkeit schafft, mehrere Räume und Realitätsebenen gleichzeitig zu erleben.

Masa, 2015

Das Werk „Masa“ (dt.: Tisch) bezieht sich auf den Vertrag von Lausanne, der 1923 in Lausanne unterzeichnet wurde. Darin wurden die Grenzen zwischen der Türkei und Griechenland neu gezogen und Kurdistan zwischen der Türkei, dem Irak, dem Iran und Syrien aufgeteilt. Der Vertrag kommt einer Entmündigung der Kurden und Armenier gleich. „Masa“ befasst sich mit den Orten und Objekten, die mit diesem Vertrag verbunden sind. Im Jahr 2008 schenkte Bundesrat Pascal Couchepin der Türkei den Tisch, auf dem der Friedensvertrag unterzeichnet wurde.

Nach umfangreichen Recherchen beschloss die Künstlerin, eine Replik des Originaltisches anzufertigen und der Schweiz als Geschenk (zurück) anzubieten. Im Jahr 2015 wurde die erste Aktion vor dem Palais de Rumine in Lausanne organisiert. Im Jahr 2016 wurde die Aktion in Bern vor dem Schweizer Parlament wiederholt.

– Beginn um 18 Uhr.

– Der Tisch wird ausgestellt.

– Vorführung des Films „95. Jahrestag des Vertrags von Lausanne im Schloss von Ouchy“ (10 Minuten).

– Gespräch mit Mîrkan Deniz und den beiden Autor*innen, Yasmin Afschar (Kunsthistorikerin und Kuratorin) und Matthieu Jaccard (Kunsthistoriker und Architekt).

– Essen und Getränke

Das Institute for Scene Experiments ist eine fiktive Einrichtung, die sich der Erforschung, Produktion und Verbreitung von Szenen widmet. ISE versammelt Gruppen von Performer*innen und Techniker*innen, um Elemente von Filmszenen zu analysieren, zu dekonstruieren und für die Kamera zu rekonstruieren, wobei alternative Inszenierungsformen für Erzählung, Bild, Ton und Licht erforscht werden.

ISE zielt darauf ab, die Filmcrew als soziale Form zu reflektieren und sich mit der Generativität und den Möglichkeiten von Szenen unabhängig von Handlung, Entwicklung und Schlüssigkeit zu befassen, und zwar sowohl durch formale Techniken als auch durch kollektive Autor*innenschaft, „offene Proben“ und kollektiven Schnitt.

Eine alte Legende der Truku-Indigenen in Taiwan erzählt von einem Jäger, der während der Jagd von einem plötzlichen Regenschauer überrascht wurde. Der Jäger fand Schutz in einer Baumhöhle und fiel in einen tiefen Schlaf. Im Traum begegnete er einer Gruppe von fluiden Geisterwesen, weder Mann noch Frau, die sich «Hagay» nannten. Diese übermittelten dem Jäger das Wissen über Rituale, die Jagd und das Weben. Der Jäger wachte auf, ging zurück in sein Dorf und teilte das Wissen der Hagay mit seinen Mitmenschen.

Auf Basis dieser teils überlieferten, teils erfundenen Erzählung haben die Multimediakünstlerin Shu Lea Cheang und Dondon Hounwn, Künstler und praktizierender Schamane der Truku-Indigenen, ein künstliches Universum entworfen. In drei verschiedenen Formaten – einer Performance, einer Multimedia-Ausstellung und einer textilen Installation – erforschen die beiden die Verbindungen von queeren Lebensentwürfen, Schamanismus und zeitgenössischer Technologie.

Biografien

Shu Lea Cheang (Frankreich/USA/TW)

Shu Lea Cheang ist eine Künstlerin und Filmemacherin, die sich mit genreübergreifenden Gender-Hacking-Kunstpraktiken beschäftigt. Mit BRANDON (1998 – 99), der ersten vom Guggenheim Museum, New York, in Auftrag gegebenen und gesammelten Webkunst, wurde Cheang als Pionierin der Netzkunst gefeiert und vertrat Taiwan mit der Mixed-Media-Installation 3x3x6 auf der Biennale von Venedig 2019. Als Schöpferin ihres eigenen Genres des Scifi New Queer Cinema hat sie vier Spielfilme gedreht: FRESH KILL (1994), I.K.U. (2000), FLUIDø (2017) und UKI (2023). Im Jahr 2024 erhält sie den LG Guggenheim Art and Technology Award. Anfang 2025 wird sie bei der Theaterperformance Hagay Dreaming in der Tate Modern und der Ausstellung KI$$ KI$$ im Haus der Kunst in München Regie führen. http://mauvaiscontact.info

Dondon Hounwn (Taiwan)

Der Truku-Künstler Dondon Hounwn wurde im Dowmung-Stamm in der Gemeinde Xiulin, Bezirk Hualien, Taiwan, geboren. Dondon Hounwns Arbeit ist medien-, generationen- und kulturübergreifend und verbindet das Wissen der Vorfahren mit einer avantgardistischen, geschlechterübergreifenden Ästhetik. Als Erbe von Stammesballaden, Instrumenten und Ritualen arbeitet er in den Bereichen Performance, Installation, Video und Umwelttheater. Im Jahr 2015 gründete Dondon Hounwn die Elug Art Corner, in der indigene Jugendliche das kulturelle Erbe der Truku erforschen. Seit 2023 veranstaltet Dondon Hounwn jährlich das GAYA Cosmos-Treffen mit Künstler*innen und Forscher*innen zur Erforschung der Lebensprinzipien von Gaya.

Credits

Artistic Director｜Dondon Hounwn
Singer｜Kumu Basaw
Performers | Dondon Hounwn, Pilaw Uraw, Dremedreman・Ljaculjingiljing, Kiyu Pahauran
Installation artist | Temu Basaw
Laser artist | aka_chang

Administration｜Cheng Hsuan Weng
Coordination｜Hsin Yu Hsieh

Project Director｜Shu Lea Cheang
Producer｜Ping Yi Chen

Production｜Elug Art Corner
Organizer｜Zürcher Theater Spektakel & Shedhalle

Sponsors ｜
National Culture and Arts Foundation (Taiwan)
Ministry of Culture (Taiwan)
Indigenous Peoples Cultural Foundation (Taiwan)
NSFG Foundation
RELIABLE SOURCE INDUSTRIAL
Puyong Archiland
cilin

Hagay Dreaming Performance

mit Dondon Hounwn & Elug Art Corner

23./24./25.08., 20:30-22h

Landiwiese & Shedhalle – Tickets hier

Das Resultat der einzigartigen Verknüpfungen des Projekts lässt sich in der gemeinsam mit der Shedhalle und dem Zürcher Theater Spektakel entwickelten Zürcher Adaption der Performance «Living Gaya Dreaming Hagay» besonders immersiv und sinnlich erleben. Futuristische Laser-Choreografien treffen auf schamanistische Tänze, und geschlechterfluide Körper verschmelzen mit animierten Videobildern fernab sterblicher Kategorien. Eine musikalische Reise zur Vielfalt der Geschlechter im Urzustand, eine bildstarke Entsagung an ein binäres Weltbild und Vision einer nichtbinären, indigenen Technozukunft.

Eine intime Performance mit einem Vorspiel und 5 Akten

Dauer: 1:30 Std., keine Pause

Hinweis: Die Performance beginnt mit einem Ritual auf dem Zürcher-Theater-Spektakel-Gelände (Landiwiese) und einem ca. 20 minütigen Spaziergang zur Shedhalle.
Das Publikum bewegt sich frei. Laser Licht kommt zum Einsatz.

Hagay Cave

Installation von Temu Basaw

23.8. 15-17h, 24. & 25.8. 14-17h

Landiwiese – freier Eintritt

Die Höhleninstallation mit dem Titel „The Reappearing of Ever-Changing Dwelling“ (Das Wiederauftauchen der sich ständig verändernden Behausung) ist eine ineinander verschlungene Struktur, deren Holzplanken sich gegenseitig überschneiden und die Besucher*innen einladen, in das Innere zu treten.

In ihr können sich die Besuchenden versammeln, um die traditionelle Handwerkskunst des fiktiven Hagay-Volkes kennenzulernen. Besuchende werden gebeten, einen alten Pullover zur Wiederverwertung mitzubringen, als Anlehnung an ein historisches Geschehen im Taiwan der 1950er- bis 60er-Jahre. Damals brachten westliche Missionare den Indigenen Pullover als Geschenke mit. Statt sie zu tragen, nahmen diese alle Fäden auseinander und webten sie zu traditionell gemusterten Kleidern neu zusammen. Das Publikum ist eingeladen, gemeinsam mit den Künstler*innen zu weben. Dazu werden Geschichten von indigenen Gemeinschaften erzählt, die Kultur- und Geschlechtergrenzen sprengen.

Hagay Ausstellung

von Dondon Hounwn & Elug Art Corner

23./24.08. 22-23h & 28./29./30.08. 17-20h & 31.08./01.09. 15-19h

Shedhalle, Eintritt vor Ort

Die Ausstellung zeichnet den Prozess der Performance „Hagay Dreaming“ nach und setzt ihn fort. Gezeigt werden eine Dreikanal-Installation „Hagay“ (2013) von Dondon Hounwn sowie Videodokumentationen der bisherigen Performances von Hagay Dreaming. Die „Hagay Exhibition“ ist bis zum Ende des Festivals zu sehen und markiert den Übergang zur nächsten prozess-basierten Ausstellung der Shedhalle im Herbst, ProtoZone16: Hallucinogenesis.

Stammtisch: Nicht-binäre indigene Techno-Zukunft

mit Shu Lea Cheang & Dondon Hounwn

21.08., 21h

Landiwiese

Shu Lea Cheang und Dondon Hounwn diskutieren über die diesjährige Europatournee von „Living Gaya Dreaming Hagay“, eine Abspaltung ihrer theatralischen Performance-Kollaboration ‚Hagay Dreaming‘. Zwischen indigenem Geschichtenerzählen und techno-futuristischen Fantasien feiert ihre Arbeit die geschlechtslosen Hagay und setzt sich für das Gaya Lebensprinzip ein, um ‘snhiyi’, eine Kraft des totalen Vertrauens, zurückzugewinnen.

Konzert

von WAT TAKLAEW

– um 20:00 Uhr

WAT TAKLAEW aka Valentina D. Jitsattayakul (1989, Zürich) ist eine Künstlerin und Musikerin. Sie studierte Soziologie und Sozialanthropologie, bevor sie ihren Master in Fine Arts an der HEAD Genf absolvierte. Ihre medienübergreifenden Arbeiten, von denen einige aus gefundenen Objekten bestehen, erforschen die Spannungen zwischen systemischen kapitalistischen Strukturen und Marginalisierung sowie deren Beziehung zu postmigrantischen Identitäten und spirituellen Glaubenssystemen. Musikalisch schafft sie Texturen mit einem Schwerpunkt auf experimenteller Musik, wobei sie Elemente von Feedback, Tonband, Feldaufnahmen und verschiedene thailändische Volksinstrumente kombiniert.

Der Name WAT TAKLEAW ist von dem thailändischen Erbe der Künstlerin inspiriert: “wat” bedeutet übersetzt “Tempel” und symbolisiert eine spirituelle Verbindung zum Handwerk. Außerdem leitet sich “thakleaw” von einem thailändischen Jungennamen ab, der mit dem Konzept der Militanz verbunden ist.
Das Debütalbum “Pillars of the Apex”, das auf dem Zürcher Label Webarchive erschienen ist, nimmt Hörer*innen mit auf eine Reise der Introspektion und ätherischen Erkundung. Jeder Track entfaltet sich wie ein Kapitel in einer Geschichte und lädt den Hörer dazu ein, die Tiefen seiner eigenen Vorstellungskraft zu erforschen und in die Gefilde mystischer Wesen einzutauchen.

Fairplay
von Sarai Rose Duke

– ab 18:00 Uhr durch die ganze Nacht

Sarai Rose Duke, eine deutsche Künstlerin, hat sich auf objektbasierte und essbare Kunstwerke spezialisiert. Ihre Arbeit “Fairplay” (2024) demonstriert die Prinzipien von Gegenseitigkeit und Solidarität. Durch eine interaktive Performance, in deren Mittelpunkt die Herstellung von gefüllten Nudeln steht, bezieht Duke Besuchende und Geniesser*innen in einen dynamischen Kreislauf von Beteiligung und Austausch ein. Diese Arbeit erforscht nicht nur die Materialität von Lebensmitteln, sondern unterstreicht auch den gemeinschaftlichen und wechselseitigen Charakter kulinarischer Erfahrungen und soll ein Gefühl der Verbundenheit und gegenseitigen Unterstützung unter den Teilnehmenden fördern.

Solar Capital (2024)

von Hugo de Almeida Pinho

– 18-01:00 (16min, looping)

Solar Capital basiert auf der Komplexität des Solarkapitalismus, seinen verschiedenen Auswirkungen auf kritische Realitäten und bestimmte Politiken der Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, die unsere historische, ikonographische und symbolische Beziehung zum Sonnenstern prägen. Der Film verurteilt eine Form des Heliozentrismus, der Verfahren der Marginalität, der Aneignung und der Unsichtbarkeit entwickelt, die in die ökologische Politik im Zeichen des Kapitolozäns involviert sind, und schafft eine Parallele zwischen zeitgenössischen Formen der Verbindung zwischen Menschen, Energie, Technologie und der Sonne.

18:00 – 23:00

solidarisches Nudeln kochen & essen
mit Sarai Rose Duke

20:00

Konzert experimenteller Musik

von WAT TAKLAEW

18:00 – 01:00

Solar Capital (2024), Video Screening (16min)
von Hugo de Almeida Pinho

Der 1. August wird somit erneut zu einem Tag der queeren Solidarität. Dies angesichts der anhaltenden Angriffe auf die Rechte queerer Menschen und der politischen Infragestellung von queeren Identitäten und Lebensweisen. LGBTQIA+ Rechte sind Menschenrechte!

Sei dabei und nimm an verschiedenen Workshops teil, informiere Dich und vernetze dich mit anderen Mitgliedern der lokalen und inter-/nationalen LGBTQIA+-Community oder feiere mit uns den ganzen Tag zu spicy Tanzmusik am Seeufer. Schlemmen, schmusen und schwimmen sind natürlich inklusive 💦

14-22h – Workshops, DJ-Sets, Austausch, Essen, Ausstellung, Bar u.v.m.

22h-1h – After-hour mit Performances, Sounds und Drinks

Wir freuen uns riesig auf dich! Lasst uns gemeinsam den Queer Bay Day feiern. 🌈❤️

Anmeldung und mehr Infos zu den Workshops von QueerNest und Kinky Queer Stammtisch ist möglich über: https://eventfrog.ch/queerbayday 

Im Fall von Regen wird der QBD im Clubraum der Roten Fabrik stattfinden.

Innenhof, Clubraum, Backstein, Shedhalle und Uferweg sind rollstuhlgängig. Der Zugang zum See ist leider nicht barrierefrei möglich. Gerne helfen wir jedoch beim Zugang. Wenn Ihr Unterstützung benötigt oder Fragen habt, meldet Euch gerne im vornherein via queer.bay.day@gmail.com oder sprecht uns vor Ort an.

Initiiert wird der Queer Bay Day von Clubbüro IG Rote Fabrik und Shedhalle und SLOCH. Umgesetzt wird er in Zusammenarbeit mit LGBTQIA+ Initiativen aus Zürich und der Schweiz. After-hour in Kollaboration mit Toxi. Der Anlass ist nicht kommerziell und unabhängig von Sponsor*innen.

Alle Einnahmen des Queer Bay Day werden an queere Organisationen gespendet, die sich international und besonders in Krisengebieten für LGBTQIA+ Personen und ihre Rechte einsetzen.

DJ-Sets

Workshops & Wellness

tbd: Saturne (sensual initiation) und Aga (Astro-Chart-Readings), & Soli-Haircuts von André

*für Anmeldung und freiwillige Spenden: https://eventfrog.ch/queerbayday

Info & Spenden

14-20/22h Info-Stände und Spendenaktionen von INAYA, LGBTQIA+ Support Gruppe, Aro-Ace Spektrum Schweiz, Trans Safety Emergency Fund und Milchjugend – mit Soli-Snacks, Crafts und Kuchen und Milkshakes, antikapitalistischer CSD Info-Stand und Kuchen

Speeches, Showings, Performances & After-Hour

Die Protozone12: Syncretic Sites (Sept-Nov23) verhandelte zeitgleich mit dem erneuten Ausbruch der brutalen Gewalt in Israel und Palästina ein synkretistisches Verständnis von Welt. Im Text von ‘Syncretic Sites’ steht, dass “ein synkretistisches Verständnis die Welt auf ihre Vielfältigkeit und Dichte öffnet. So erschafft übereinander Gestapeltes, ineinander Verwickeltes und untereinander Verschmolzenes nicht eine einzige Weltsicht, sondern Welten der Koexistenz – im Plural.” In Zeiten affektiver Ausnahmezustände kommt es zu Polarisierungen und mitunter wird es beinahe unmöglich, Komplexität aufrechtzuerhalten.

Als Gegenpol und Ergänzung zur Auseinandersetzung mit aktuellen Geschehnissen durch Kanäle der Medien und Nachrichtendienste verschreibt sich “PS: Syncretic Sites” den behutsamen Zonen des Zusammenkommens im selben Raum. Neben geteilten Worten, Gedanken und Bedenken, geht es um verkörperte Praktiken und Nachbar*innenschaft in der Gegenwart voneinander.

In der Ausstellung Protozone12: Syncretic Sites ging es unter anderem um erweiterte Arten des Zuhörens. Daran knüpfen wir an, und schlagen vor, einander in anerkennendem Zuhören, Sprechen und durch die Ko-Existenz unterschiedlicher Perspektiven und Interessen im selben Raum zu begegnen. Welche Bedürfnisse sind im Raum? Welche Handlungsoptionen?

“PS: Syncretic Sites” richtet sich an Kulturschaffende (Künstler*innen, Freischaffende und Angestellte in Institutionen) sowie ein interessiertes breites Publikum. Wir arbeiten mit Kommunikationsunterstützungen, Gesprächs-Scores und verkörperten Praktiken.

Dreaming Communal mit Chris Paxton

A Solastalgic Cooking & Listening Performance

Solastalgie ist ein Neologismus, der sich aus der Kombination des lateinischen Wortes sōlācium (Trost, Leichtigkeit, Trost) und der griechischen Wurzel -algia (Schmerz, Leid, Trauer) zusammensetzt und eine Form emotionaler oder existenzieller Belastung beschreibt, die durch Umweltveränderungen verursacht wird. Der Begriff wurde 2005 vom Philosophen Glenn Albrecht geprägt, der ihn als „das Heimweh, das man hat, wenn man noch zu Hause ist“ beschrieb. Wie erleben wir gemeinsam Trost oder Schmerz auf einem verschwindenden Planeten? Können wir durch die Dunkelheit unserer Gegenwart von der Zukunft träumen? Welche Klangökologien können wir durch gemeinsames Zuhören und Träumen zum Leben erwecken?

Ein Gemüsecurry, vielleicht ein Paradebeispiel für Wohlfühlessen, wird gemeinsam mit den Zutaten und Werkzeugen zubereitet, die uns zur Verfügung stehen, während wir unsere Gefühle, Wünsche und Träume für eine verschwindende Erde teilen. Die Teilnehmenden sind eingeladen, während der gemeinsamen Zubereitung des Essens zu einer Geräuschkulisse beizutragen. Klangbeiträge können die Form eines Gedichts, eines Traums, eines Textes oder auf andere Weise annehmen, solange sie die Frage widerspiegeln: Was sind nun unsere Träume für die Erde?

Komm wie du bist. Alle sind zum Kochen, Teilen und Zuhören eingeladen. Stille ist willkommen.

Chris Paxton

Der in Berlin lebende Kochkünstler Chris Paxton, Gastgeber der saisonalen Dinner-Listening-Veranstaltung Dreams im Kwia, ist außerdem Mitbegründer der Lucky You Studios und kuratiert einzigartige kulinarische Erlebnisse für Kund*innen wie Highsnobiety und Resident Advisor. Als Chef-in-Residence im Nuova Atlantide im Jahr 2023 erforschte er Bewegung, Sprache und Landschaft. Zu seinen Arbeiten, die in Planetary Embodiments vorgestellt werden, gehört „Recipes in Ruins“, eine Zusammenarbeit mit Maia Magoga, die magische Rezepte mit Träumen für die Zukunft verbindet. Chris’ immersive Kochkunst, die in zyklischen Zeit- und lokalen Besonderheiten verwurzelt ist, fördert kollektive Visionen durch gemeinsame Mahlzeiten, die über den Tisch hinausgehen. Seine Arbeit stellt ökologische (Ent-)Verbindungen in Frage und konfrontiert die Esskulturen, die von der kapitalistischen und kolonialen Geschichte heimgesucht werden. In einer kollaborativen Traumlandschaft verwebt Chris Klang und Essen und schlägt einen Höhepunkt von Wünschen vor, die durch Kommensalität, Zusammenarbeit und Zuhören zum Ausdruck kommen.

Belia Winnewisser

Produzentin und DJ Belia Winnewisser lebt und arbeitet in Zürich. Zum Abschluss ihres Studiums der Musik- und Medienkunst versuchte Belia in ihrer Arbeit Klangkunst und Popmusik zu verbinden. Mit ihrem ersten Album Radikale Akzeptanz, erschienen bei Präsens Editionen, ist ihr genau das gelungen. Darüber hinaus verschaffte ihr die Veröffentlichung eine internationale Wahrnehmung. Am 2. Juli 2021 erschien Belias zweites Album SODA. Mit diesem Album markierte die Künstlerin einen weiteren Meilenstein in ihrer Solokarriere und festigte ihren Ansatz in derTonproduktion. Das Medienecho auf die Veröffentlichung zeigte, dass Winnewisser damit nicht nur ihren eigenen, sondern auch einen spannenden Weg gefunden hat. Ein Jahr später erschien die EP „Mother Earth Took Poison In Her Soil“ auf dem Frankfurter Label Die Orakel, die Belias erfrischenden Ansatz zur Clubmusik präsentierte.
Neben ihrer Tätigkeit als Produzentin ist Belia Resident-DJ im Kapitel Bollwerk in Bern und genießt diverse Bookings. Belias DJ-Sets strotzen vor Energie und Emotionen und zeichnen sich durch ihr Gespür für Rhythmus und Spannung aus.